ABOUT ME: Visual artist e graphic designer editoriale con base a Milano, originaria di Firenze, si forma in Illustrazione per l’editoria all’Accademia di Belle Arti di Bologna. La sua ricerca ruota intorno al libro, tra illustrazione, libro d’artista e design editoriale, intrecciando testo e immagine in racconti intimi e autobiografici legati a memoria, desiderio e identità femminile.
Lavora anche nell’editoria, seguendo progetti dall’ideazione alla stampa, con particolare attenzione al libro come oggetto culturale, estetico e narrativo. I suoi lavori sono stati esposti in contesti nazionali e internazionali, tra cui Lucca Comics & Games e l’Itabashi Art Museum di Tokyo.
Quale unità di misura si usa per quantificare l’artisticità? Gli anni di vita di un artista? Il numero delle sue opere? O forse gli anni di attività?
Oggi incontriamo Federica Aglietti, una giovane donna e una giovane artista che fa parte della community di The Artbook quasi sin dal nostro primo giorno. E se vogliamo fare il verso ad un altro artista potremmo dire che “questa non è un’intervista”. Grazie alle parole di Federica abbiamo la possibilità di vedere attraverso le facce limpide di un caleidoscopio tutti quei punti di vista che fanno luce sulla condizione dell’arte in Italia, sulla salute della nostra cultura ma anche sulla condizione della donna/artista nel nostro Paese. Non solo, ci invita anche ad una riflessione sulla consapevolezza di noi stessi e noi stesse. Questa non è un’intervista, è una rivelazione che ci permette di dire che l’esperienza, l’introspezione e l’educazione possono essere alcuni dei parametri che definiscono l’Artista.
In Italia l’illustrazione vive spesso in una terra di confine, sospesa tra editoria, grafica e arte contemporanea. Hai la sensazione che oggi venga finalmente riconosciuta come linguaggio artistico autonomo oppure permane ancora una gerarchia culturale che la considera “minore” rispetto alla pittura o alla scultura?
Credo che oggi l’illustrazione venga finalmente riconosciuta come un linguaggio artistico autonomo, con una propria identità e una capacità espressiva molto precisa. Negli ultimi anni si è assistito a una maggiore attenzione verso questo medium, anche da parte del mondo dell’arte contemporanea e delle istituzioni culturali.
Detto questo, penso che in Italia esista ancora una certa gerarchia culturale che tende a considerare l’illustrazione come una forma d’arte “applicata” e quindi, in qualche modo, minore rispetto a discipline come la pittura o la scultura. Un po’ come accade per il design, l’illustrazione viene spesso associata a una dimensione industriale o professionale: un linguaggio legato alla comunicazione, al lavoro editoriale o commerciale, più che all’idea tradizionale di opera d’arte autonoma. Effettivamente l’illustrazione porta con sé una componente di serialità e riproducibilità che la distingue dall’unicità tipica della pittura o della scultura. Però credo che questa caratteristica non ne diminuisca il valore artistico, ma anzi definisca una modalità diversa di stare nel contemporaneo.
Oggi molti illustratori sviluppano non solo una ricerca estetica personale, ma anche una forte capacità progettuale e manageriale: costruiscono un’identità visiva riconoscibile, dialogano con diversi media e riescono a muoversi tra ambiti differenti, dall’editoria alle gallerie, fino agli spazi espositivi.
Per questo penso che l’illustrazione non sia più soltanto uno strumento di rappresentazione o di servizio, ma un linguaggio artistico completo, capace di esprimere visioni, temi e sensibilità proprie, distinguendosi chiaramente da altre forme d’arte.
L’illustrazione possiede una capacità rara: riesce a parlare a pubblici molto diversi, attraversando età, linguaggi e persino alfabeti emotivi. In un Paese come l’Italia, custode di una tradizione figurativa immensa, perché secondo te si investe ancora così poco sull’educazione visiva contemporanea?
Credo che il problema dell’Italia sia più ampio e riguardi il poco investimento nella cultura in generale. Il nostro Paese tende a concentrarsi soprattutto su altri settori economici, come il turismo o la ristorazione, mentre l’arte e l’educazione visiva contemporanea restano spesso marginali. Eppure l’illustrazione, come altri linguaggi visivi, ha una capacità straordinaria: riesce a parlare a pubblici molto diversi, attraversando età, sensibilità e contesti culturali. Per questo penso che dovrebbe avere uno spazio molto più centrale nella formazione e nella vita quotidiana delle persone.
In molti altri Paesi gli artisti vengono considerati risorse importanti per la società, perché attraverso il loro sguardo contribuiscono a costruire immaginari, sensibilità e nuovi modi di leggere il presente. In Italia invece spesso manca questa consapevolezza, e chi lavora nell’arte fatica a trovare uno spazio reale di crescita, sia umana che culturale.
Io vengo da Firenze, una città simbolo della cultura visiva e della storia dell’arte, ma che oggi vive una contraddizione molto forte: il patrimonio artistico viene spesso valorizzato soprattutto in funzione del turismo, più che come esperienza viva per chi quella città la abita e ci cresce. A volte si ha la sensazione che l’arte venga trattata come qualcosa da consumare, più che come uno strumento capace di formare sensibilità e pensiero critico.
Quello che mi dispiace è che esista ancora poca apertura mentale verso l’arte contemporanea e verso gli artisti, quasi fossero elementi marginali o non necessari. In realtà credo che l’arte dovrebbe essere al centro dello sviluppo della società, perché educa lo sguardo, la sensibilità e l’empatia: qualità di cui oggi abbiamo estremamente bisogno.
Molti illustratori italiani trovano maggiore attenzione all’estero che nelle istituzioni culturali nazionali. Pensi che in Italia manchi una vera cultura dell’immagine contemporanea, oppure che il sistema dell’arte faccia ancora fatica ad accogliere discipline ibride?
Io penso che in Italia esista ancora una forte tendenza alla settorializzazione, e che tutto ciò che è ibrido o difficile da classificare venga spesso percepito come marginale, di nicchia o comunque meno autorevole rispetto alle forme artistiche più tradizionali. Paradossalmente, considero l’illustrazione una delle arti meno “di nicchia”, proprio perché ha la capacità di assorbire linguaggi diversi e di dialogare con molti medium: editoria, pittura, grafica, animazione, fumetto, design, comunicazione visiva. È un linguaggio estremamente aperto e contemporaneo, capace di adattarsi a contesti e pubblici differenti.
In Italia però continua spesso a essere vista come un lavoro industriale o seriale, dove l’aspetto artistico passa in secondo piano rispetto alla funzione commerciale. È un po’ quello che succede anche con il fumetto: se dici di essere fumettista o illustratore, difficilmente vieni percepito subito come un artista nel senso tradizionale del termine. Sicuramente oggi le cose stanno cambiando – basti pensare all’attenzione crescente verso le graphic novel – ma il sistema dell’arte italiano rimane ancora piuttosto chiuso verso le discipline ibride.
C’è ancora una gerarchia culturale molto forte in cui pittura e scultura occupano il centro, mentre altre forme visive vengono considerate valide soprattutto se legate a una funzione lavorativa o commerciale, come se non potessero sostenersi autonomamente sul piano artistico e concettuale.
Io credo invece che sia arrivato il momento di riconoscere l’illustrazione come un’arte visiva autonoma, con una propria ricerca, una propria poetica e una propria capacità di interpretare il presente. E penso che gli illustratori italiani dovrebbero avere la possibilità di crescere, sperimentare ed espandersi anche all’interno del proprio Paese, senza dover necessariamente cercare riconoscimento altrove.
Viviamo immersi nelle immagini, eppure raramente ci fermiamo a riflettere su chi le crea e su quanto possano influenzare il nostro immaginario collettivo. Quale responsabilità senti oggi nel tuo lavoro di illustratrice, tra estetica, narrazione e visione politica o sociale?
Credo che tutto ciò che una persona comunica attraverso l’arte abbia inevitabilmente un impatto su chi guarda, sia a livello emotivo che sociale. Anche parlare di femminilità, per esempio, produce reazioni diverse a seconda del vissuto, della posizione sociale, politica o economica di chi osserva.
Per questo sento che la mia responsabilità come illustratrice sia quella di trasmettere il mio vissuto in modo sincero, cercando di comunicare esperienze e sensazioni che possano aiutare altre persone a riconoscersi, comprendersi o rileggere la propria storia.
In un momento storico come quello che stiamo vivendo, a livello sociale, politico ed economico, penso sia importante non chiudersi nel proprio “orticello” creativo, trattenendo tutto dentro la propria pratica artistica. Credo invece nella necessità di condividere, di esporsi e di confrontarsi attraverso un linguaggio artistico inclusivo, capace di abbracciare esperienze diverse. La responsabilità che sento oggi è proprio questa: parlare di me per parlare anche degli altri, creare immagini che possano diventare uno spazio comune, in cui le persone possano sentirsi viste, accolte e rappresentate. In fondo, parlare di sé può essere un modo per parlare di tutt*.
Nella tua ricerca la figura femminile sembra trasformarsi in uno spazio emotivo, simbolico, quasi narrativo, più che in una semplice rappresentazione estetica. Che rapporto hai con l’idea di femminilità oggi, e quanto del tuo vissuto personale entra, anche inconsapevolmente, nei volti, nei corpi e nelle atmosfere che disegni?
Per me disegnare è sempre stato il modo più potente che ho avuto – e che ho ancora oggi – per comunicare con il mondo esterno. In una società che spesso tende ad affossare la sensibilità, l’arte mi ha dato la possibilità di creare uno spazio mio, in cui poter essere completamente me stessa. È nei miei libri e nei miei disegni che riesco davvero a dire tutto quello che ho da dire. Il mio lavoro nasce sempre da un vissuto personale, e credo che nei miei disegni non ci sia nulla di inconsapevole. Semmai l’inconsapevolezza sta nelle reazioni di chi guarda o legge e magari si riconosce in esperienze che non aveva mai nominato prima. Per molto tempo ho pensato di fare arte soltanto per me stessa, ma negli ultimi anni ho capito che raccontare le mie esperienze può aiutare anche altre persone a comprendere meglio le proprie.
Per quanto riguarda la femminilità, per me è un tema molto complesso e ancora in piena costruzione. Nonostante abbia 31 anni, sento che la mia idea di femminile stia ancora crescendo insieme a me, e penso che questa ricerca sia qualcosa di prezioso che ogni donna dovrebbe potersi concedere: non per sentirsi “completa” secondo un modello imposto, ma per sentirsi piena di se stessa, appagata e libera di esistere nella propria autenticità. Ho la sensazione che oggi, sotto molti aspetti, siamo tornati indietro rispetto alla considerazione della donna nella vita e nel lavoro. Esiste ancora una pressione costante che schiaccia la sensibilità femminile e la costringe spesso ad assumere forme di forza costruite, quasi maschili, pur di essere accettata o riconosciuta. Con la mia arte cerco invece di creare uno spazio sicuro per la mia femminilità: uno spazio in cui possa emergere senza paura, con tutta la sua fragilità, sensibilità e forza emotiva. Nei miei disegni provo a riportare alla luce proprio questo: la potenza del corpo, della vulnerabilità e dell’emotività femminile. E molto spesso, parlando delle donne, sto parlando anche di me.
Se potessi immaginare un cambiamento concreto nel rapporto tra cultura italiana e illustrazione, da dove partiresti: scuola, musei, editoria, istituzioni pubbliche, mercato dell’arte oppure educazione digitale?
Partirei da un superamento della gerarchizzazione artistica e da un ampliamento reale della condivisione culturale. In una visione forse utopica, immagino un mercato dell’arte più inclusivo, meno esclusivo e accessibile a molte più persone. Spesso l’arte viene percepita come qualcosa destinato a pochi, mentre credo profondamente che debba essere una cosa di tutti.
Ho sempre visto l’arte come un mezzo potentissimo di comunicazione, capace di abbattere confini sociali, culturali ed emotivi. Oggi però molto spesso viene ridotta a un fatto esclusivamente commerciale: chi non riesce o non vuole entrare in certe dinamiche del mercato artistico finisce per essere escluso, insieme alla propria voce e alla propria ricerca. Per questo penso sia fondamentale creare più spazi accessibili, mostre, eventi e opportunità concrete anche per artisti emergenti, senza trasformare la cultura in un ambiente elitario. Le possibilità sono ancora troppo poche e questo porta spesso a considerare l’arte solo come una “passione”, qualcosa di secondario. Per me invece l’arte non è un hobby: è un’esigenza comunicativa, uno strumento necessario per raccontarsi, confrontarsi e creare connessioni. Ed è proprio per questo che dovrebbe essere davvero fruibile da tutti.
Federica Aglietti non cerca di essere “solo” qualcosa. Non solo grafica, non solo illustratrice, non solo artista. Preferisce restare fedele alle sfumature. E forse è proprio questo il progetto più bello che continua a portare avanti.
