ABOUT ME: Jessica Ferro, nata a Dolo nel 1992, è un’artista visiva e docente. Dopo la laurea con lode in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna nel 2016, ha intrapreso un percorso professionale che unisce pratica artistica e insegnamento. Attualmente insegna Anatomia Artistica, Cromatologia e Tecniche delle Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Ravenna, dopo esperienze anche a Firenze e Bologna, dove si è specializzata in Tecniche dell’Incisione.
Ha preso parte a numerosi workshop e collaborato con istituzioni culturali in progetti multidisciplinari. La sua ricerca si concentra sul rapporto tra essere umano e natura, con uno stile riconoscibile per il segno deciso e una narrazione visiva intensa e meditativa.
Le sue opere, che spaziano tra pittura, grafica e installazione, sono state esposte in contesti significativi come L’ultimo canto della cicala a Rosolina Mare e Stigma a Cesena, ricevendo premi e apprezzamenti. La sua arte invita alla riflessione sul mondo naturale e sulla memoria che esso conserva, con un linguaggio personale e universale insieme.
Il tuo lavoro sembra affrontare temi di vulnerabilità e trasformazione, specialmente nell’installazione “Stigma”. C’è un momento personale o un’esperienza che consideri fondamentale nella tua vita e che ha influenzato questa ricerca artistica?
“Credo che ogni opera sia un pretesto per elaborare esperienze che, in qualche modo, restano sospese dentro di noi. “Stigma” è nata dopo un periodo caratterizzato da tensioni e contrasti, in cui mi sono confrontata con una fragilità fino a quel momento sconosciuta. Quella vulnerabilità, che inizialmente vivevo come una cicatrice, è diventata una chiave per osservare le mutazioni — non solo fisiche, ma emotive, identitarie.
Alcuni fatti gravi hanno accentuato la mia riflessione sulla dicotomia tra vita e morte. Nella mia ricerca artistica ho avuto bisogno di tradurre una questione profondamente personale in una chiave che riguardasse la collettività e quindi fosse il più possibile universale. L’idea di “Stigma” è nata della volontà di creare un’installazione labirintica i cui elementi reagissero alla presenza dell’osservatore oscillando: il pubblico è invitato ad entrare, osservare dall’interno le figure in un cortocircuito tra dentro e fuori, fronte e recto, sovrapposizione e occultamento, respiro e sospensione. Tutta la simbologia che caratterizza gli insetti e gli elementi della natura che ho sentito la necessità di rappresentare creano una narrazione senza soluzione di continuità. Ogni dettaglio — impronta, macchia, o forma segmentata — rimanda a un insieme unitario che non si può afferrare del tutto. L’apparizione e la dissolvenza coesistono. È un po’ come se l’opera vivesse in uno stato di soglia, tra ciò che è visibile e ciò che sfugge.”
Nel tuo linguaggio artistico, esplori una relazione complessa con la natura, oscillando tra bellezza e smarrimento. Cosa significa per te “essere parte della natura” e come questa connessione si riflette nelle tue opere più recenti?
“Per me, essere parte della natura significa accettare la propria transitorietà.
La natura è il primo punto di contatto con il mondo, una sorgente inesauribile di stimoli visivi ed emotivi. Non la rappresento in modo descrittivo, ma la osservo nei suoi aspetti più piccoli, anche nei frammenti più effimeri, come una foglia che cade in un certo modo, una traccia lasciata dal tempo, la trama nella corazza di un insetto o una superficie di una conchiglia. Mi interessa ciò che sfugge allo sguardo frettoloso: ciò che si dissolve, ma che continua a vibrare … ed è proprio lì che trovo i simboli di una bellezza più ambigua, più fragile e autentica.
In questo senso di appartenenza alla natura m’interessa indagare il concetto di sublime, dualità tra origine viscerale – sub limo, sotto il fango – e proiezione verso l’alto, oltre la soglia – sur limen. Quando creo cerco proprio quel punto di tensione: macchie, sporco e caos diventano qualcosa che ti scuote e ti supera, in una sorta di inquietante beatitudine o vertigine paralizzante.”
