C’entra. Eccome se c’entra.
Perché lo scoop non è solo una notizia che fa rumore, è uno sguardo che scava, è un’azione che disturba, è un intervento che cambia il corso delle cose. E, guarda un po’, se c’è qualcosa che l’arte dovrebbe fare, è proprio questo.
Abbiamo incontrato Francesco Di Roberto – musicista, architetto, scrittore, Iena (insomma fa tutto lui) – e gli abbiamo chiesto di portarci nel suo modo di guardare il mondo creativo. Senza filtri. Senza pose.
Abbiamo affrontato insieme un caleidoscopio di parole che incrociandosi, spezzandosi e ricomponendosi ci hanno dato una nuova visione, a tratti semplice, ma architettonica, dell’emozione nel fare arte.
Oggi un artista può sottrarsi alle logiche del mercato grazie all’autoproduzione? O è solo un’illusione romantica?
“L’era digitale ha aperto una finestra enorme. Internet e i social permettono a chiunque di esporsi. È più difficile emergere, ma è più facile farsi sentire. Se non hai chi ti produce, l’autoproduzione è la strada migliore. Non hai scuse.”
smettila di piangerti addosso e mettiti al lavoro.
Il web è un oceano. Puoi navigare o puoi affogare. Ma restare sulla riva a lamentarti che “è tutto truccato” è solo un’autogiustificazione. Pensate a Bresh, lui viene fuori dalla realtà tecnologica contemporanea ed è il figlio del barista di Bogliasco (bellissima professione, nulla da dire e…) quindi una dimensione completamente estranea al mondo musicale no?
Già dalla prima risposta Cizco non fa il santone motivazionale. Dice una cosa molto semplice: muovi il xxxx, impara, registrati, sbaglia, riprova “Se sei bravo, prima o poi qualcosa succede. E se non succede, almeno hai fatto qualcosa che ti rappresenta.”
E qui arriva la prima bomba: l’autoproduzione non è solo tecnica. È responsabilità. Ndr: il suo background da musicista lo ha portato spesso a virare le risposte proprio in quel mare d’arte, ma noi di THE ARTBOOK non giudichiamo anzi ci piace estendere questa visione e vestire così ogni forma creativa, voi che dite?
Ho sentito una tua canzone che si intitola… “Non ridi mai”. Se non ho capito male, questa canzone parla un po’ anche del concetto di essere una pecora nera. Quindi quello che ti chiediamo è: cosa diresti a un artista che sceglie una strada non convenzionale, sapendo che potrebbe anche essere giudicato, isolato, insomma, che è una strada complicata comunque. Meglio fare qualcosa che piaccia o qualcosa che ti somigli?
“Beh, è implicito nell’essere artista l’essere anticonvenzionale o meglio, l’artista deve essere se stesso.”
Certo per campare di arte devi lavorare anche su commissione, devi venderti o come Piacentini devi diventare l’architetto del fascismo monumentale…(ops) Ma se sei un artista, qualsiasi opera (anche commissionata) deve essere filtrata e generata dalle tue emozioni. E poi a questo punto Cizco ha detto una cosa tanto semplice e ovvia quanto difficile da articolare: “Io preferisco fare qualcosa che piace a me. Almeno la posso difendere. Fare una canzone pensando solo a cosa piacerà al pubblico è sempre rischioso. Se non piace neanche a te, poi come la difendi? Ma chiamiamola pure col suo nome: la marchettata. Il pezzo costruito per piacere, per stare dentro il trend, per cavalcare la moda.
Può funzionare? Sì. È arte? Forse. È tua? Boh.
Qui lo scoop è semplice: la vera provocazione oggi è restare fedeli a se stessi. E in un sistema che ti chiede numeri, click, hype e performance, questo è già un atto radicale.“
Mi sono rivista un po’ di tuoi servizi e faccio riferimento a BOOM BOOM BRASILE, trovi che nel mondo dell’arte ci sia lo stesso meccanismo di mode che nascono e spariscono velocemente? Le mode sono un rischio o una risorsa per l’arte?
“Ogni epoca ha i suoi stili. È generazionale. Quando dici che la musica di oggi fa schifo, stai solo dicendo che non è la tua.”
Colpo basso, ma giusto. L’integralismo culturale è comodo.
Questo affermare “Una volta era meglio.” Lo sentiamo nella moda, nella musica, nella pittura e persino nel cibo, sì, certo anche le cabine telefoniche erano meglio. Parole vuote, frasi ignoranti che non danno spazio alla vera cultura, al dilagare della nuova dialettica contemporanea. Riteniamo questa una filosofia di pensiero che pone limiti e censure nei confronti del solito “diverso”.
“Dicono che sta morendo il rap, che già è alla seconda ondata, perché negli anni 90 c’erano i Sangue Misto, c’erano il primi Articolo 31, adesso c’è questa seconda ondata, che è già in calando, perché i numeri e i discografici dicono che non sono più quelli di prima, è tutto a periodi, no? “
E quindi secondo te va bene QUESTA cosa?:
“Mi sono fatto una mia teoria. Per esempio quando uno dice “era meglio la musica dei miei tempi” dice che è peggiore solo perché è di adesso. A volte mi metto lì e mi sforzo di andare al di là del vestito che ha una canzone e cerco di capire perché è bella, perché piace e scopro dei testi che sono fantastici, i ragazzi che scrivono oggi sono dei veri poeti.
La verità è che ogni generazione è lo specchio del proprio tempo. Dire che qualcosa “non è arte” solo perché non appartiene al proprio periodo è una forma di chiusura.
E forse lo scoop più grande è ammettere che, noi vecchi (detto in modo leggero e ironico), non siamo più il centro del mondo.
Allora, parliamo di arte, architettura e inclusione. Col progetto 21 grammi hai raccontato di uno spazio inclusivo curato anche dal punto di vista architettonico, poi tu sei architetto quindi cosa ti ha insegnato questa esperienza e che ruolo può avere l’arte o l’architettura nel creare spazi inclusivi e spazi che abbiano una dignità anche sociale?
Quando si parla di inclusione, di architettura, di progetto 21 grammi, Cizco fa un passo indietro e va alla radice con un’affermazione che ci fa cambiare immediatamente punto di vista. E qui la Iena diventa architetto e l’architetto diventa narratore.
“L’arte è già nella progettazione di uno spazio. Lo spazio stesso è arte. Una stanza nera non è una stanza bianca. Un luogo inclusivo è già una presa di posizione. L’arte non è l’oggetto appeso. È il modo in cui vivi quello spazio.”.
Sì insomma affermazioni creative, da scomporre e rimontare, parole sicuramente interpretabili ma che disegnano chiaro il binomio tra percezione dello spazio e arte.
“Il dialogo tra le forme che tu vivi è in sé un opera d’arte”.
L’arte in generale (che sia musica, spettacolo, teatro o arte visiva) che ruolo dovrebbe avere secondo te nella vita dell’uomo e tu che conosci la strada -perché l’hai intervista- credi che possa essere un campo dove far nascere arte e dove -attraverso l’arte- si possa trovare un riscatto sociale?
“L’arte viene dalla strada. Dall’osservazione del mondo. L’artista filtra la realtà e la restituisce.”
Non sta parlando di street art. Sta parlando di esperienza.
Le parole di Cizco continuano ad emozionarci. Sicuramente la visione che ci propone e l’interpretazione delle nostre domande è davvero personale. Ci racconta del personaggio “Artista” facendo capitolare le parole fuori come se avesse fretta di condividere il suo pensiero. Del resto è abituato a correre e a cogliere momenti estratti e distillati dalla realtà quotidiana. Con questa stessa vivacità sostiene che l’artista cammina, guarda, assorbe. Vive. E poi filtra tutto questo attraverso la propria sensibilità. L’arte è questo filtro: una verità attraversata da uno sguardo.
La strada non è solo un luogo fisico, è il contesto in cui si sperimenta la realtà. È dove incontri contraddizioni, ingiustizie, bellezza improvvisa, fragilità. È lì che si forma lo sguardo. Non esiste arte che non sia, in qualche modo, un dialogo con ciò che accade fuori.
Gli artisti, per loro natura, sono persone sensibili. Non necessariamente malinconiche (lui ha usato il termine “tristi”), ma certamente permeabili. Si lasciano toccare. E spesso da questa sensibilità nasce anche il malessere: un’inquietudine, una tensione, un bisogno di risposta. L’arte diventa allora uno sfogo, una rielaborazione, una presa di posizione.
Ma non deve essere solo denuncia. L’arte non è un bollettino di negatività. Deve mostrare ciò che non funziona, certo, ma anche ciò che funziona. Deve raccontare la complessità: il bello e il brutto, il fragile e il potente, il dolore e la speranza.
Se l’arte smettesse di nascere dal mondo reale, se smettesse di osservare ciò che accade intorno a noi, allora perderebbe la sua funzione più profonda. Perché l’arte, in definitiva, è la realtà vista dagli artisti. E senza realtà, resta solo decorazione.
E di decorazione e orpelli, sinceramente, ne abbiamo già abbastanza. No?
Mettiti nei panni di un curatore e lasciamo uscire il tuo lato anche di architetto. Come dire togli giacca nera e camicia bianca, togli il riso sarcastico e quell’aria velatamente polemica che a noi ci piace tanto. Se dovessi immaginare una mostra sui lati oscuri dell’arte come la costruiresti e che tipo di spazio e di atmosfera useresti per raccontare storie a volte anche un po’ scomode.
“L’arte spesso nasce dal tormento. L’artista è una persona sensibile, a volte fragile. La sofferenza ti spoglia. Ti mette a nudo.”
E qui, quasi a sorpresa, spunta un racconto tratto addirittura dalla sua tesi di laurea. Inizialmente ci siamo chiesti dove volesse andare a parare e invece… Invece ci riporta una rocambolesca esperienza televisiva vissuta proprio con Le Iene di Italia Uno. Si parla di un servizio/documentario fatto in Colombia nelle piantagioni di Coca, non in un atelier fighetto di Manhattan, ma dalla giungla. L’idea era semplice e brutalmente onesta: capire se chi vendeva cocaina per strada sapesse davvero cosa stava spacciando. Per farlo, sono tornati all’origine. Dai contadini alla foglia di coca, quella vera, millenaria. Quella che un tempo si masticava, si beveva in infuso, serviva per l’altitudine ed era considerata sacra. Poi, come spesso accade alle cose pure, è arrivata la trasformazione industriale e il resto è cronaca purtroppo.
Dentro quel documentario c’erano atmosfere precise: tensione, ambiguità, sacralità perduta, violenza, contraddizione. E da architetto (oltre che Iena), la domanda che si è posto è diventata: “come porto tutto questo in uno spazio fisico?”
Qui entra Wim Wenders a gamba tesa (tanto stiamo parlando di arte e possiamo bellamente disturbarlo). Quando inquadri qualcosa, lo chiudi dentro un rettangolo, da tridimensionale diventa bidimensionale, scegli cosa mostrare e, soprattutto, cosa escludere.
Ogni ripresa è una scelta, quasi un atto politico di supremazia: includi una porzione di realtà e tagli via il resto. Allora il passaggio successivo è stato ribaltare il processo. Se un video mi provoca emozioni, posso trasformare quelle emozioni in spazio? Posso tradurre immagini chiuse in una telecamera in un’esperienza tridimensionale?
La risposta è stata sì, ma non con una mostra “appesa al muro” bensì con un percorso sensoriale.
“…e quindi per risponderti io ehm creerei un percorso un’installazione che non ti racconta una storia: ti fa entrare dentro le sue emozioni. In quella occasione (per la tesi di laurea appunto) ho preso le sensazioni che il reportage mi dava — freddezza, inquietudine, sacralità distorta, tensione — le ho elencate, quasi come un decalogo, e le ho trasformate in spazio, non rappresentazione, ma esperienza.
Perché se vuoi raccontare qualcosa di scomodo, non basta mostrarlo. Devi farlo sentire”.
E qui arriva la domanda scomoda.
Nei tuoi servizi è spesso smascherato truffe e immagini costruite ad arte. Guardando il mercato dell’arte contemporanea riconosci dinamiche simili ovvero quanto conta l’apparenza quanto conta la sostanza?
“Non sono un critico, ma una cosa la so: la fatica si vede. Si percepisce. Che sia una tela dipinta a mano o una scultura modellata in 3D, la questione non è la tecnologia in sé, è la profondità del gesto. È il lavoro, il pensiero, la ricerca.
È più “bella” una statua stampata in 3D o una scolpita a mano? Domanda sbagliata. La vera domanda è: cosa sto guardando davvero? Un oggetto o un percorso? Un effetto o un processo?”
Poi sarà il tempo a decidere. E il pubblico. Perché l’arte, alla fine, sopravvive solo se regge allo sguardo lungo degli anni.
È chiaro che Cizco non si erge a giudice. Dice però una cosa molto onesta: “È bello vedere la fatica di un artista. Ma sarà il pubblico a decidere nel tempo.”
E forse questa è la frase più spietata di tutte perché il tempo è l’unico vero critico.
hai raccontato storie durissime legate alla dipendenza secondo te come si può parlare del lato oscuro della creatività senza romanticizzare la sofferenza.
Molti artisti, quando raccontano il proprio passato fatto di eccessi, dipendenze, notti sfondate e scelte sbagliate, camminano su una linea sottilissima tra confessione e romanticizzazione.
“Pensiamo al primo Vasco che canta la droga come un’urgenza esistenziale, o a Bukowski che trasforma le sue serate alcoliche in letteratura sporca e potentissima… È solo autobiografia? È denuncia? O è anche un modo per rendere poetico il proprio inferno?”
La verità è che esiste un lato romantico della sofferenza nell’arte. Non perché il dolore sia bello — non lo è mai— ma perché è fertile. Il tormento genera altro tormento, lo plasma, lo sublima l’artista spesso è una persona attraversata da fantasmi, inquietudini, crepe interiori. E proprio quelle crepe diventano linguaggio, parole, materia o pennellate.
Questo non significa che l’arte nasca solo dal dolore. Esiste arte luminosa, gioiosa, celebrativa, ma è innegabile che una certa intensità creativa trovi nella sofferenza un detonatore potentissimo. È quasi fisiologico: l’artista prende il proprio malessere, lo lavora, lo espone, lo trasforma (e qui ci sarebbero anche una sfilza di nomi e cognomi presi dal cantautorato italiano).
Il punto comunque non è glorificare la caduta, ma riconoscere che, per alcuni, proprio lì dentro — nel buio — nasce la materia più autentica.
Arriviamo al cuore del numero.
Ora Francesco vorremmo sapere da te cos’è uno scoop che caratteristiche deve avere per essere considerato scoop e perché ha così presa sulle persone cioè cosa piace alle persone dello scandalo del gossip della notizia?
“Uno scoop è una notizia che fa emergere un danno. Ma la differenza sta nell’intervento. Non basta raccontare. Devi cercare di cambiare le cose.”
Uno scoop, nella sua forma più pura, nasce quasi sempre da una frattura. Qualcosa che non funziona. Un danno, un’ingiustizia, un corto circuito nel sistema. A volte può essere anche una notizia positiva, ma diciamocelo: ciò che scuote davvero l’attenzione è ciò che fa male a qualcuno.
La differenza, però, sta in cosa fai dopo aver acceso la luce.
“…nel caso delle Iene è un po’ diverso dal raccontare solo quello che è successo perché ciò che ci chiedono, giustamente, le persone è un intervento, una soluzione, una nostra presa di posizione che cambi possibilmente il corso delle cose.
Per questo motivo è difficile fare La Iena perché noi studiamo e scegliamo, dopo aver approfondito parecchio, il migliore intervento per cercare di risolvere o comunque di migliorare la situazione”.
Raccontare un fatto non basta, non si tratta di “buttare fuori” una notizia e via, ma di studiare il modo più efficace per incidere davvero sulla situazione. È questo che distingue un servizio d’inchiesta.
Certo, le notizie negative prevalgono. Ma ciò che conta è cosa fai di quella negatività: la cavalchi o la affronti?
Un esempio emblematico, in ambito musicale, è l’inchiesta sui biglietti dei concerti (questo fu però un servizio di Matteo Viviani) e sul loro costo cresciuto in modo spropositato negli anni, sistemi di rivendita opachi, meccanismi che gonfiano le cifre ben oltre quanto arrivi davvero agli artisti. Un sistema degenerato, denunciato più volte, ma ancora lontano da una vera soluzione.
Ecco cos’è uno scoop, allora: non solo lo scandalo. È il tentativo — ostinato, spesso scomodo — di mettere mano a ciò che non va. Anche quando il sistema fa finta di non sentire.
