Conosco Filippo da qualche anno ormai e ho sempre ammirato la sua profonda dedizione verso il suo lavoro e verso l’arte. È stato un vero piacere poterlo intervistare oggi.
E la prima domanda è chi sono oggi gli eroi nel mondo dell’arte contemporanea?
“Gli eroi nel mondo dell’arte contemporanea oggi sono quegli artisti che riescono a mantenere la propria personalità, essere se stessi, al di là delle mode e questi fuochi fatui.
Il mercato dell’arte contemporanea è una bolla finanziaria, economica e speculativa come tutto oggi è ricondotto a uno spread o appunto percettuale. I veri eroi però dietro al mercato non sono solo gli artisti ma anche tutte le persone che acquistano l’arte per piacere; quindi, i veri eroi sono gli appassionati dell’arte, i collezionisti che ci permettono di continuare a lavorare.”
Questa domanda invece è più cattiva, chi sono gli antieroi dell’arte?
“I cattivi oggi si trovano ovunque e anche nel mondo dell’arte contemporanea, però credo che qui ad esempio si possa chiamare cattivo un artista che ostenta, che cerca di creare uno status symbol non reale, non autentico, quindi una costruzione, una narrativa che si basa su fondamenta di carta.”
Addentrandoci nel vivo di questo bizzarro mercato e di chi ci lavora dentro, come noi del resto, che amiamo chiamarci addetti ai lavori, possiamo essere suddivisi tra villani ed eroi?
“Allora, sni, sni perché le membrane sono sottili, il limite non è invalicabile; quindi, magari da un lato qualcuno ha avuto delle idee geniali e ha cambiato il modo per sempre, a volte invece qualcun altro resta nella vena grigia che potrebbe essere vista come una vena cattiva, non si espone, non osa.
La misura di quello che è buono o cattivo, giusto o sbagliato, nell’arte usa parametri differenti, perché un’opera deve necessariamente avere un valore sociale.”
Questo è un concetto a me davvero caro, l’arte ha intrinsecamente un valore sociale, sempre. Perché racconta del nostro tempo attraverso una ricerca molto soggettiva e personale ma che non può esimersi dal vivere il suo tempo.
Riguardo a questo io ti ho sempre visto come un collante tra il passato e il futuro, come un ponte che dialoga tra analogico e digitale e questo è molto difficile nell’arte perché spesso, l’uso della macchina o dell’intelligenza artificiale è visto con sospetto. Il vecchio mondo contro il nuovo.
Nelle tue opere però sei riuscito a far dialogare questi tempi e a farlo sembrare naturale.
“Sì, possiamo dirlo, ho iniziato abbastanza in maniera percussiva questa attività di ricerca nel mondo digitale. Mi sono trovato un po’ in una condizione forse, senza peccare di presunzione, in cui si era trovato Antonio Canova quando ha dovuto automatizzare certi processi, quindi creare dei meccanismi che gli garantissero una ripetibilità nelle sue azioni, nella copiatura dei modelli. oggi con l’avvento dell’elettronica, quindi della meccanica, ho usato dei sistemi robotici, macchinari che in maniera semplice utilizzano i soliti principi che si utilizzavano quando si lavorava a mano.
In un certo senso mi sento quindi di essere precursore di una tecnica, ma un’innovazione comporta tanti rischi perché non sempre vengono compresi i motivi, i perché, i per come. Si rischia di ridurre tutto a un fatto puramente commerciale, e ci si dimentica della ricerca anche in ambito tecnologico appunto e delle sue funzioni applicate all’arte.
Io dico sempre che il robot è un attrezzo in più nella cassetta dello scultore perché l’intenzione è quella di fare scultura, di creare un rapporto con il territorio, scegliere un materiale, ascoltarlo con la punta fonica, quindi il suono, se è sano, se è rotto, creare una forma con l’argilla, poi mettere a riparo un dato con una nuova ripuntina, uno scambio a 3D, tutto questo viene fatto per la passione, per la voglia di fare scultura.
Infine, si compie il gesto finale con la rifinitura manuale oppure si lascia il segno della macchina perché in quel momento si reputa più fresco, più interessante anche a livello artistico, quello poi è una decisione che spetta agli artisti.“
Ormai il tuo braccio meccanico è famoso in tutto il mondo, possiamo dirlo anche con un certo orgoglio nazionale, e ti ha permesso di entrare in contatto con le realtà più importanti del mondo dell’arte contemporanea oggi, e il tuo lavoro ha iniziato a essere riconosciuto anche a livello internazionale.
Ma come tutti gli artisti che si espongono e che sono portatori di innovazione e progresso, subiscono critiche e osservazioni non sempre positive.
Quale critica ti ha scosso di più e come hai risposto?
“Allora, la critica che forse mi ha un po’ più stuzzicato è indicare che le mie opere sono instagrammabili; quindi, in una società che consuma immagini molto veloci ci si ferma sulla superficie, però chi le guarda poi un po’ più in profondità trova anche della sostanza; quindi, alla fine sì mi sono sentito un po’ toccato ma l’ho elaborato abbastanza bene, chi conosce il mio lavoro conosce la mia ricerca, faccio per me le sculture, e credo che se mi piacciono possono anche piacere ad altri.
Ci sono persone in grado di entrare in profondità e scoprire significati che magari anch’io non ho compreso; infatti, un’altra critica positiva l’ho avuta quando in una discussione fatta a Pietrasanta alcuni professori dell’area urbana hanno descritto le mie opere come mai sarei stato capace di fare, a parole.”
A questo punto ti chiedo qual è stato il riconoscimento più importante, quello che più ti ha emozionato.
“Abbiamo da poco concluso Human Connection a Pietrasanta sicuramente quella è stata la mostra che ha racchiuso un po’ i miei lavori; quindi, è stato un po’ il banco di prova per dire ok ecco cosa posso dire, come posso dirlo e cosa possiamo fare domani; quindi, guardare un po’ lo stato di fatto delle cose è sicuramente stato in maniera assoluta la cosa più gratificante che ho avuto in questo breve periodo e quindi è proprio un sentimento fresco, un’emozione ancora viva. Il raggiungimento, per ora, di un traguardo non solo mio ma di tutte le persone che hanno collaborato al progetto.”
Di tutte le tue opere quella che mi ha sempre incuriosito di più e che racchiude un po’ veramente questo dialogo tra l’uomo del futuro, la macchina, il pianeta, il dialogo contemporaneo, è lo spaceman.
“Sì, lo spaceman è un simbolo di tradizione e innovazione, l’uomo che ha i piedi piantati a terra e che guarda le stelle, dove la tecnologia e la natura si fondono in questa icona che ho cercato di condensare, opera che è nata durante il Covid.
Lo stimolo è stato quello di vedere la natura che si riappropriava dei propri spazi, noi che in maniera ossessiva andavamo alla ricerca di nuove tecnologie per esplorare lo spazio e mi è venuto da mettere insieme le cose, per me automatico, mi piace creare questi contrasti.“
Lo spaceman è diventato anche un po’ il tuo segno di riconoscimento, perché un artista si può dire tale, quando guardando un’opera, anche una persona che non è del settore ne riconosce l’autore ed è stata ultimamente la tua firma.
Che futuro ha lo spaceman adesso?
“Il futuro è itinerante, come un vero uomo dello spazio, viaggerà ed esplorerà nuovi territori, nel tempo capiremo quale sarà il suo destino. È un’opera che vive di vita propria.”
Filippo in tempi bui come quelli che stiamo vivendo adesso, l’arte cosa deve fare? Esiste oggi un eroe contemporaneo, un artista, una figura in grado di ribaltare il corso della storia?
“L’opinione pubblica è spaccata da una narrativa quasi di propaganda, di regime. L’arte è l’unico strumento che al di là dei regimi nella storia è riuscita a mantenere una neutralità. Non sempre lo è stato, però l’arte, si diceva prima, è una necessità sociale. Cioè è bella, piace a tutti, non sappiamo perché a volte è necessaria. Questa necessità porta a doverla vivere. Viene da dire che solo la collettività, solo tutti noi assieme, con amore, pace e arte, possiamo risolvere questi problemi. Non esiste un solo eletto, una sola figura, un solo popolo, esiste l’unione di tutti gli uomini, del genere umano. Nessuno escluso.”
Con il mio lavoro ho a che fare quotidianamente con artisti, soprattutto emergenti e sento il bisogno di fare capire loro che l’arte porta con SÈ una grandissima responsabilità: raccontare il nostro tempo perché sia testimone della storia e del passaggio dell’uomo, sei d’accordo?
“Si, aggiungo che l’artista ha una responsabilità anche civica oltre che sociale. Qualcuno dice che l’arte deve essere una entità che sta al di sopra della politica, al di sopra del mondo.
No, non può esserlo.
Non lo è per sua natura, perché dal momento che viene mostrata, acquistata da un collezionista che ha un pensiero ed esposta in una sala dove si fa politica e si parla di politica, quell’opera farà parte di un sistema.”
Quindi è meglio che l’opera abbiamo un messaggio chiaro e inequivocabile? Così da evitare che venga strumentalizzata a proprio piacere e per la necessità politica del momento.
“Assolutamente. E mi spiace constatare che quello che spesso l’arte ha smesso di fare è di essere contestazione, di far riflettere su temi attuali e passati da molti considerati scomodi, perché fuori mercato.
Quindi tornando alla domanda originaria, sì ci sono gli antieroi nell’arte, sono i cattivi artisti, sono quelli neutrali e allora è bene che tornino a fare il loro lavoro, perché raccontare il proprio tempo è l’esigenza primaria del buon artista.”
Parlando di tempo, tu lavori un materiale che possiamo definire non averne e grazie ad esso e all’idea del lasciare un segno che oggi sei arrivato fino a qui.
“Nelle rovine, nel segno, nella spaccatura c’è più bellezza che in tutto lo spazio. C’è la storia dell’uomo e del suo territorio, c’è la traccia di una vita che incontra il nuovo e qui che intervengo. Nell’imperfezione.
Quando abbiamo creato Human Connection ho introdotto non solo il lavoro di una vita ma anche tutti i valori che mi rendono oggi quello che sono e che spero si riflettano anche nelle mie opere. E uno di questi è proprio trovare la bellezza tra le spaccature.”
Mi spieghi meglio il concetto dell’arte che deve farsi sociale e servire più che mostrare.
“Alcune opere della mostra hanno visto la collaborazione di persone con disabilità. Il progetto “rinascita degli scarti”, dimostra che la creatività è uno strumento straordinario per promuovere il senso di appartenenza a una comunità e il senso di inclusione.
Noi parliamo spesso di arte sociale, ma poi nel concreto che cosa significa? Significa portare anche loro alla creazione di un’opera d’arte, cioè essere partecipi, non solo raccontare loro le storie, ma farli diventare anche protagonisti.
I ragazzi dell’ANFFAS di Massa Carrara sono stati entusiasti, sono venuti in cava, hanno raccolto i sassi, hanno assistito a una breve lezione di come si lavorava il marmo una volta, e infine ci siamo sporcati le mani.
Abbiamo dato vita insieme all’opera che ci auguriamo sia la prima di tante altre, le emozioni vissute durante la creazione e la progettazione sono state tantissime e vorremmo portare avanti questa collaborazione anche in futuro.”
Alleggerire la fatica fisica dell’uomo è lo scopo per cui oggi la tecnologia sostituisce gran parte dei lavori che richiederebbero lo spiegamento di forze e di tempi di gran lunga superiore a quello impiegato dalla macchina.
Oggi l’intelligenza artificiale ci permette cose che in passato erano considerate fantascienza, eppure il dibattito resta aperto tra chi considera questo progresso come il più grande pericolo per l’umanità, una sorta di perdita dell’anima, e chi ne parla con entusiasmo e voglia di scoprire fino a dove ci spingeremo.
In questo derby tu dove ti collochi?
“Tutto ciò che non si comprende fa paura, diciamo che è la novità di questo momento e quindi le persone devono ancora sviluppare quella fiducia in certe situazioni. L’intelligenza artificiale, così chiamata per creare un po’ di effetto WoW, non è altro che un software, un algoritmo, un testo scritto da un essere umano, che gli ha insegnato a leggere dati scritti di esseri umani, e quindi mettere insieme molte informazioni.
Queste informazioni una volta erano disponibili nei rotoli del Mar Morto, nelle pietre uniformi, nelle enciclopedie e via dicendo.
Oggi la ricerca è un qualcosa di più istantaneo, di secondi, riesci ad avere una nozione che prima dovevi ricercare per molto tempo in maniera istantanea. Questo porta ad avere una consapevolezza maggiore su certe scelte che si fanno, quindi si ritorna al discorso. Perché usare la tecnologia? Usare la tecnologia perché ho un’intenzione. Che intenzione ho? Di fare scrittura, ad esempio, o scultura.
Quindi se la faccio con lo scalpello, se la faccio con l’intelligenza artificiale o con il robot, o mi danno una mano a cento persone, cosa accadde? Il risultato finale è quello che ho fatto.
Dove sta l’arte? Nel prompt che do alla macchina? Sicuramente nell’intenzione, nell’idea. Senza quel comando la macchina è ferma.“
E allora senza ulteriori indugi vi lascio il link dove potete ammirare la mostra Human Connections che si è tenuta a Pietrasanta come testimonianza del fatto che la scultura ha ancora molto da dire anche quando attraversa l’immaginario collettivo, anche quando usa immagini popolari e icone contemporanee.
