Se domani mattina decideste di alzarvi, rovesciare un secchio di vernice blu sul pavimento del salotto, fotografarlo e dichiararvi artisti visivi, nessuno potrebbe legalmente impedirvelo. Ma se il giorno dopo decideste di andare all’INPS o all’Agenzia delle Entrate per registrare la vostra professione, scoprireste che per lo Stato italiano siete, essenzialmente, un fantasma burocratico. Chi ha il potere di dire che una persona è davvero un artista? È una domanda che galleggia tra la filosofia e il diritto, un cortocircuito perfetto in cui la fluidità della ricerca contemporanea va a sbattere contro la rigidità dei codici dello Stato.

La patente impossibile
Partiamo da un dato di fatto, quasi un sollievo costituzionale: in Italia non esiste una legge, un ministero o un organo pubblico deputato a rilasciare una patente di artista. Non esiste un Albo dei Pittori o degli Artisti come esiste per i giornalisti, gli avvocati o i medici. E non è una dimenticanza. L’articolo 33 della nostra Costituzione parla chiaro: “L’arte e la scienza sono libere e libero ne è l’insegnamento”.

Qualsiasi tentativo dello Stato di definire per decreto i requisiti dell’artista figurativo implicherebbe l’istituzione di criteri di sbarramento. Un titolo di studio all’Accademia? Un numero minimo di mostre? Un fatturato? Ma nel momento esatto in cui si stabilisce un criterio di inclusione, si sta implicitamente decretando l’esclusione di qualcun altro. La storia del Novecento ci ha insegnato che quando la politica ha preteso di normare l’arte, si pensi alle Camere della Cultura dei regimi totalitari, il risultato è stato il conformismo di Stato e la censura delle avanguardie. Il vuoto normativo italiano, quindi, nasce come un sacro presidio di libertà.

Il paradosso del Welfare (e il dramma dei codici ATECO)
La libertà, però, ha un costo cinico. Il vuoto definitorio che protegge l’espressione si trasforma in un deserto di tutele quando si parla di diritti dei lavoratori. La recente spinta verso la riforma del welfare dello spettacolo e della cultura ha cercato di colmare questa lacuna, scontrandosi però con un limite invalicabile: la burocrazia non può fare critica d’arte. L’Inps non può giudicare se un’opera è “buona” o “creativa”; deve affidarsi a indicatori quantitativi e fiscali.

Qui il sistema si inceppa, specialmente di fronte alle figure ibride e interdisciplinari che popolano la contemporaneità. Se un artista non produce più quadri da cavalletto, ma si muove tra installazioni multimediali, performance fisiche, crypto-art e progetti relazionali sul territorio, in quale casella deve infilarsi? Per lo Stato, spesso, l’artista visivo è costretto a camuffarsi dietro codici ATECO generici, registrandosi come artigiano, designer, o consulente generico. La burocrazia esige una staticità che l’arte ha rifiutato da almeno un secolo. Mentre l’artista contemporaneo dematerializza l’opera, il fisco cerca disperatamente un oggetto fisico da tassare o un’ora di lavoro contrattualizzata da conteggiare.

Il Cortocircuito. Se Joseph Beuys scriveva che “Ogni uomo è un artista”, rivendicando la forza creativa insita in ogni essere umano, l’Inps risponde chiedendo quanti giorni di contributi hai versato quest’anno. La tensione è insanabile: servono tutele per non lasciare i creativi nell’indigenza, ma ogni definizione rischia di uccidere la sperimentazione.

Dai tribunali al Mondo dell’Arte
Se lo Stato abdica giustamente al ruolo di giudice, chi riempie questo vuoto di potere? La risposta si sposta su un organo non ufficiale, ma ferocissimo: il Sistema dell’Arte.

A teorizzarlo per primo è stato il filosofo e critico americano Arthur Danto nel 1964. Davanti alle Brillo Boxes di Andy Warhol, scatole di legno identiche in tutto e per tutto a quelle di detersivo che si trovavano al supermercato, Danto capì che a definire l’artista non era più la maestria manuale, ma la capacità di inserire un oggetto in una cornice teorica. Quella cornice è l’Artworld, il “Mondo dell’Arte”: una rete invisibile ma potentissima fatta di istituzioni, direttori di musei, curatori, galleristi e collezionisti.

Poco dopo, George Dickie formulò la Teoria Istituzionale, spiegando che l’artista è colui che viene legittimato da questa oligarchia culturale. Il Sistema dell’Arte agisce, di fatto, come un clero: ha il potere esclusivo di battezzare un oggetto come opera e il suo creatore come artista.

Questo meccanismo ha riflessi persino nei tribunali reali. Quando i giudici italiani devono esprimersi su casi di plagio, distruzione di opere pubbliche o controversie sul diritto d’autore (regolato dalla legge 633/1941, che tutela l’opera per il solo fatto della sua creazione, purché dotata di carattere creativo), la magistratura non decide da sola. Chiama a testimoniare i periti del mercato, i critici, i direttori dei musei. Lo Stato, ancora una volta, delega la definizione all’istituzione privata o critica.

Il verdetto sospeso
Siamo così di fronte al grande paradosso della legittimazione contemporanea. Da un lato, rifiutiamo lo Stato-Critico per proteggere la nostra sacra libertà di creare senza patenti. Dall’altro, per non aver voluto consegnare le chiavi della definizione alla politica, le abbiamo implicitamente cedute alle dinamiche di mercato e alle diplomazie curatoriali.

Oggi, chi decide chi è un artista? Non un decreto ministeriale, ma il consenso relazionale di un sistema che viaggia a metà tra l’avanguardia intellettuale e la speculazione economica. E la domanda finale, politica nel senso più nobile del termine, resta aperta e provocatoria: per decidere della dignità e dello statuto di chi crea, ci fideremmo davvero di più del filtro di una commissione ministeriale o preferiamo continuare a rimetterci al verdetto, talvolta spietato, di una fiera d’arte o di un white cube museale?