Dare la parola a Luca Rossi non è una scelta di affinità, ma di responsabilità critica.
Artista, critico e dispositivo collettivo, Rossi attraversa il sistema dell’arte da quasi diciassette anni restando deliberatamente fuori dal consenso. Proprio per questo lo abbiamo invitato: per mettere in discussione il racconto dominante dell’arte contemporanea mentre accade, prima che venga metabolizzata, quotata e neutralizzata dal mercato.
In questa conversazione si parla di tempi di semina, formazione, valore, deriva del sistema e resistenza culturale. Non per offrire soluzioni comode, ma per riaprire domande che oggi vengono troppo spesso evitate.
Cosa cambia, secondo te, quando l’arte viene raccontata mentre accade e non dopo, quando è già stata metabolizzata dal sistema?
“Il problema oggi è che l’arte contemporanea viene raccontata sempre in una condizione di caos mentre il moderno che è già stato metabolizzato dal sistema, si può permettere anche il caos avendo potuto sedimentare negli anni. Quindi bisogna recuperare tempi e luoghi di semina dove raccontare il contemporaneo. Luoghi e tempi per appassionare nuovamente pubblico e collezionisti che oggi sono abbandonati.”
Denunci spesso il mercato dell’arte come un dispositivo autoreferenziale. Quando, a tuo avviso, il mercato ha smesso di essere uno strumento e ha iniziato a diventare il fine?
“Da diversi anni le fiere d’arte sono diventati dei campi di concentramento commerciali e culturali in cui bisognerebbe entrare già con le idee chiare. Il problema è che prima di questi luoghi di raccolta ci sono solo altri luoghi di raccolta e non ci sono mai luoghi e tempi di semina. Mentre sul moderno si masticano e rimasticano valori di 80 anni fa, sul contemporaneo si pretende di vendere subito quando invece agli artisti giovani e mid-career non è stato dato il tempo per creare attitudini che possano giustificare una vendita. Ecco che abbiamo opere IKEA EVOLUTA buone per arredare il caminetto, ma stiamo perdendo grande opportunità per leggere e resistere al nostro presente. L’arte contemporanea è ormai uscita dai musei e vive in mezzo a noi, e se non ci occupiamo di arte contemporanea lei si occuperà delle nostre vite, come sta succedendo.“
Oggi sembra che il valore di un’opera venga deciso prima dal prezzo e solo dopo dal pensiero. È ancora possibile un’arte che non sia immediatamente quotabile?
“La quotazione, il prezzo e la raccolta devono avvenire dopo tempi e luoghi di semina dove rendere evidente il valore artistico. Tempi che possono anche essere lunghi prima che un artista, uscito dall’accademia o mid-career, possa pretendere di vendere. Ecco perché a mio parere la formazione artistica dovrebbe entrare in qualsiasi percorso universitario “extra-arte” e rendere gli artisti giovani e mid-career indipendenti dal mercato. Oggi il valore del contemporaneo viene dato per scontato e va ad alimentare un prezzo completamente gonfiato arbitrariamente. Questo sul lungo periodo fa il male di tutti, galleristi, fiere e artisti compresi. Basta pensare che l’ultima Quadriennale sembrava l’ennesima fiera malcelata. Che senso ha? Abbiamo una fiera ogni settimana, ed è sempre la solita noiosissima fiera.”
Parli di “deriva dell’artista contemporaneo”. In cosa consiste davvero questa deriva, perdita di linguaggio, perdita di etica o perdita di responsabilità?
“Oggi l’artista è uno che spera di “vendere qualcosa” per evitare di andare a lavorare all’Esselunga o fare altri lavori logoranti. Spesso totalmente immerso in linguaggi derivativi e maniersiti. Mentre quelli che non si professano prettamente artisti sono i veri artisti e non cercano il riconoscimento della Biennale di Venezia. A mio parere bisogna ripartire dalla formazione che, attraverso un lavoro critico fatto da più voci, possa diventare una dimensione di allenamento. L’artista deve uscire da posture rigide e nostalgiche legate al secolo scorso. Per questo con il progetto Documenta LIVE, dal 2016, gestiamo un’Academy online e una Masterclass periodica dal vivo.“
Molti artisti sembrano più preoccupati di essere visibili che necessari. È una colpa individuale o una conseguenza di un sistema che non lascia alternative?
“Oggi viviamo una fase di transizione e di omologazione del linguaggio quindi l’unica cosa che può differenziare un artista da un altro, è il “doping delle pubbliche relazioni”. A questo bisogna aggiungere che se non esistiamo su Instagram abbiamo la sensazione di non esistere. Gli artisti sottoposti a queste pressioni sono ormai l’ultima ruota del carro, completamente dipendenti dalle chiamate delle giurie di qualità (curatori, musei, fondazioni e galleristi). In Italia anche artisti affermati sono completamente proni al volere del gallerista o del curatore. Da diversi anni dico che gli artisti dovrebbero recuperare i “mezzi di produzione” che oggi non sono i pennelli ma luoghi e pubbliche relazioni.”
Nei tuoi interventi c’è spesso una tensione politica, ma non ideologica. Che ruolo deve avere oggi l’artista, testimoniare, disturbare, prendere posizione o sottrarsi?
“L’artista oggi deve creare opere che siano soprattutto testimoni di resistenza rispetto ai problemi del nostro tempo. Resistere a qualcosa significa anche rappresentare un periodo storico e agire politicamente. La questione è politica perché oggi l’arte contemporanea, insieme forse all’ipnosi e ai problemi della vita, è l’unico ambito dove possiamo allenare nuovi occhi e quindi fare scelte diverse nella nostra vita, e quindi anche a livello politico.”
Il mondo dell’arte continua a parlare a se stesso. Le fiere, i vernissage, i musei rischiano di essere camere di risonanza chiuse. Come si rompe questo circuito?
“L’unisca scintilla di cambiamento può avvenire dagli artisti e dalle loro opere, al momento al centro del sistema ci sono gli aperitivi e le pubbliche relazioni, se non riportiamo al centro le opere è normale che rimanga solo un discorso autoreferenziale e molto noioso. Ma bisogna portare al centro opere e artisti di qualità ecco perchè ripensare la formazione e stimolare un reale confronto critico sono cose fondamentali. Oggi invece chi tende a stimolare tale confronto tende a essere marginalizzato. Nel sistema dell’arte c’è un cupola simile a quella mafiosa, non ti uccidono fisicamente ma professionalmente. E dopo molti anni abbiamo un deserto. “Luca Rossi” resiste, ma chiunque può essere “Luca Rossi”.”
L’arte può ancora essere uno spazio di verità in un’epoca dominata dalla performance e dalla narrazione strategica di sé?
“L’arte può essere una palestra e una laboratorio dove allenare nuovi occhi da portare poi fuori dalla mostra e dal sistema. E quindi sicuramente può essere uno spazio di verità. Ma servono luoghi che non siano solo le fiere, oggi è tutta una fiera, dalla Biennale alla Quadriennale. Inoltre molte persone non vogliono aprire gli occhi e vedere la verità, perchè la verità fa male. Poi ammesso che troviamo luoghi di semina, prima della fiera, bisogna avere opere e artisti di Qualità. La qualità nell’arte contemporanea si può definire e argomentare eccome. Ma dopo molti anni di deserto molte persone, anche in questo caso, hanno paura di parlare di qualità. Inoltre in questa situazione di aridità anche se ti danno un bicchiere d’acqua rischi di non riconoscerlo più.“
Documentare significa esporsi. Ti sei mai chiesto quale prezzo personale comporti restare fuori dal consenso, anche a costo di essere marginale?
“Procedere oggi con gli occhi aperti, e con senso critico, significa tenersi lontano da persone e contesti tossici. E quindi sul lungo periodo è la cosa migliore da fare anche se sul breve periodo sembra essere una cosa sconveniente. è chiaro che non bisogna essere dipendenti economicamente da un sistema tossico perchè diversamente diventi schiavo di esso e ti fai intossicare. E dopo un po’ muori professionalmente. Io ho dovuto pagare un grande prezzo per le mie posizioni critiche ma questa “quarantena” mi è stata assolutamente salutare. E oggi posso mettere in campo nuove modalità che ripensano l’idea di museo, artista e opera d’arte.”
Se il mercato collassa, cosa resta dell’arte? E se invece collassa l’arte, cosa resta del mercato?
“Senza ragioni e motivazioni (tempi e luoghi di semina) è bene che il mercato collassi per poi cercare tali ragioni e motivazioni e rinascere. Un mercato speculativo fa il male di tutti, non riesce a creare valori. Artisti mid-career super supportati negli ultimi anni, come per esempio Giorgio Andreotta Calò, oggi sono del tutto marginali. Ma potremo fare mille esempi. Quindi cosa è servito speculare?
L’arte sul piedistallo è già collassata perchè non riesce a competere con una realtà molto più forte e pulsante, ma oggi ci sono ancora “tre vie” per affrontare il contemporaneo. Ed è quello di cui parlo nella mia academy e nella masterclass“
The Artbook nasce per creare uno spazio critico, non promozionale. Che tipo di racconto sull’arte senti oggi come urgente e necessario?
“L’arte contemporanea oggi deve avere un valore per la nostra vita diversamente rimane solo “ikea evoluta”, e quindi soluzioni per arredare il caminetto. Le opere possono essere testimoni silenziosi di valore: di modi, atteggiamenti, visioni e attitudini che possono avere un valore concreto per la nostra vita. Questa dinamica è semplicissima e andrebbe insegnata ad artisti, galleristi e curatori e divulgata a pubblico e collezionisti.“
Se dovessi lasciare un messaggio a un giovane artista che entra ora in questo sistema, cosa gli diresti di non fare, prima ancora di dirgli cosa fare?
“Non essere economicamente dipendente dal sistema almeno per 10 anni.“
Oggi il collezionista è ancora un soggetto culturale o è diventato prevalentemente un operatore finanziario che intercetta l’opera come asset più che come necessità?
“Oggi il collezionismo ha perso ogni passione, basta girare per mostre, fiere e biennali per capirlo e non dargli torto. Quindi poi è naturale che rimane solo l’arte come investimento o come asset per sembrare più belli, colti e sofisticati. Tutto il denaro del mondo non può comprare l’intelligenza, e molte persone usano l’arte per provare a sembrare più intelligenti.“
Quanto il collezionismo contemporaneo contribuisce alla deriva dell’arte, legittimando operazioni vuote purché riconoscibili, instagrammabili e facilmente rivendibili?
“I collezionisti sono i clienti migliori del mondo perchè non protesteranno mai almeno per due ragioni: per non sembrare stupidi e per non svalutare ulteriormente l’opera bidone che hanno acquistato. Questo provoca la cementificazione dell’errore e di dinamiche speculative che inquinano come un tumore il sistema e il mercato dell’arte. A questo proposito basta guardare l’ascesa dell’artista Marinella Senatore negli ultimi anni: opere che sono una “pop art annacuata” e che presentano enormi lacune tra intenzioni e progetto. Ho incontrato un collezionista importante che non sapeva neeanche perchè aveva acquistato un’opera di Marinella Senatore. Ma queste dinamiche speculative sono gravissime perchè uccidono gli artisti che lavorano sulla qualità e disincentivano la qualità stessa. Perchè devo impegnarmi quando basta il doping delle pubbliche relazioni per finire sotto i riflettori?“
Esiste, secondo te, una responsabilità etica del collezionista, nel sostenere artisti e pratiche che rischiano, che disturbano, che non garantiscono rendimenti immediati, oppure questa idea è definitivamente tramontata?
“Esiste una responsabilità etica ma spesso anche il collezionista più attento non si pone minimamente questi problemi. Il collezionista è benestante e pensa al suo lavoro e alla casa al mare. Si tratta di riportare la qualità al centro del sistema e riaccendere la passione del pubblico e del collezionista. Così che l’arte diventi più forte del lavoro primario del collezionista e della casa al mare.“
E infine: dove stiamo andando? E come si pone l’arte nei confronti di quello che sta accadendo nel mondo? E tu, dove stai andando?
“Il sistema dell’arte sta andando completamente alla deriva, come quelle persone che continuano a ridere mentre la barca affonda. Ci sono persone, anche in Italia, che sono pagate per continuare a ridere. Viviamo un mondo dell’arte scelrotico, con gallerie che pagano 10.000 euro alla fiera Artissima pur sapendo che non rientreranno delle spese e solo per far vedere che esistono. Una dinamica assurda immagino sostenuta da rendite familiari e dalla “Nonni Genitori Foundation” che non sostiene ad oltranza solo la vita di artisti e curatori, ma evidentemente anche dei galleristi. Bisogna fermarsi e ripartire veramente da luoghi e tempi di semina, e solo dopo pretendere la raccolta e la vendita. Io da 17 anni faccio esattamente questo e ogni anno che passa lo metto maggiormente in pratica. Su tanti fronti, dalla semina, alla raccolta, dalla divulgazione alla formazione degli artisti.”
Forse Luca Rossi è la parte migliore di ciascuno di noi, l’opportunità più autentica che ognuno avrebbe. È ciò che sappiamo di dover fare, ma che quasi sempre evitiamo. È il coraggio di procedere a occhi aperti, perché solo così, alla fine, si riescono a tenere lontane le persone e le dinamiche tossiche. A patto, però, di saper resistere almeno diciassette anni.
